http://mymodernmet.com/mid-century-postwar-italian-photography/
main influence was the photographer Misa - research more into
Nel “Misa” non c’è la presenza egemone delle idee di Cavalli come ne “La Bussola”, è un gruppo aperto dove ognuno è libero di condurre le ricerche che vuole, sono così inevitabili gli scontri, soprattutto tra Giacomelli e Cavalli stesso. “Cavalli purtroppo vedeva solo da una parte e allora litigavamo sempre” avrà modo di dire Giacomelli. Del gruppo “Misa” Mario Giacomelli è cassiere per alcuni anni. Nel corso delle discussioni all’interno del “Misa”, Giacomelli conosce le opere di Paolo Monti, apprezzandole al punto di arrivare a dichiarare “Cavalli diceva che era il nemico pubblico n° 1, ma a me Monti mi faceva morire!”. E sarà proprio Paolo Monti (in giuria con Roiter e Comisso, tra gli altri) a dargli la soddisfazione del premio al miglior complesso di opere al Concorso di Castelfranco Veneto nel 1955. “Apparizione è la parola più propria alla nostra gioia ed emozione, perché la presenza di queste immagini ci convinse che un nuovo e grande fotografo era nato” dichiarerà in seguito lo stesso Monti. Nel 1956 Cavalli, forse nel tentativo di svecchiarla, lo chiama a far parte insieme a Branzi de “La Bussola”, da cui uscirà ben presto per insanabili divergenze. Del 1957-59 è la serie di immagini riprese a Scanno, Giacomelli rimane affascinato dall’atmosfera fiabesca del luogo, che aveva già colpito altri grandi fotografi, tra cui Henri Cartier Bresson. Sempre del 1957 è la serie “Lourdes” seguita, nel 1958, da “Zingari”, “Puglia” e, nel 1959, (ripresa nel 1995) “Loreto”. Del 1961 sono le immagini di “Mattatoio” e nello stesso anno inizia a lavorare alla serie “Io non ho mani che mi accarezzino il viso”, titolo ripreso da uno scritto di padre Turoldo. Le immagini sono riprese nel Seminario Vescovile di Senigallia, che Giacomelli frequenta per un anno prima di dar forma alle foto vere e proprie. In questo ambiente i giovani seminaristi sono ripresi in momenti di ricreazione, le foto restituiscono l’incanto di uno spazio umano, ma al tempo stesso sospeso in una sorta di astrazione temporale. http://www.nytimes.com/2001/02/02/arts/art-in-review-nino-migliori-neo-realismo-scenes-of-life-in-post-war-italy.html
Nino Migliori (Bologna, 1926) began to photograph in 1948 playing one of the most articulated and interesting European image culture. The beginnings appear divided between realistic photography, with a particular idea of the story in sequence, and experimentation with materials completely original and unpublished. This research will continue over time involving other materials and techniques such as Polaroid and bleaching. From the late Sixties the work of Migliori assumes conceptual valences, and this is the direction that tends to prevail in the following years. Nino Migliori is the author who best represents the extraordinary adventure of photography that takes values from a documentation tool and content related to art, experimentation and play. His works are held in major public and private collections, including Mambo, Bologna; Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Turin; CSAC, Parma; Museum of Contemporary Art Pecci, Prato; National Engraving, Rome; Museum of Modern Art, New York; Bibliothèque Nationale de France, Paris; SFMOMA, San Francisco. http://www.photographicafineart.com/eng/2014/04/nino-migliori/ Beginning in the 1950s, Nino Migliori (born Bologna, 1926) was compelled to take to the road with his camera to procure the true meaning of “la dolce vita” in his beloved Italy. With an accomplished eye, he recorded the people and places of a newly emerging society, from the impoverished peasants of the south to their more affluent northern countrymen-- all portrayed with an affectionate sensibility. Migliori, a prominent figure in the neorealist school of photography, produced a rich and significant body of work in post-WWII Italy. The country was engaged in throwing off the repressive shackles of a fascist regime, an idealistic pursuit not lost on its photographic community. Migliori and his fellow documentarians pledged to expose the human condition and all its foibles, replacing romanticization with wit and humanity. Traveling to the southern regions to expose the pride of its people and the prejudice under which they toiled, symbolized a rite of passage for Migliori and for other photographers of the postwar generation. Migliori also documented a traditional way of life in the North that would soon be transformed by modernization. The charming old-world ambience of its towns and the marvelous characters trolling its streets are a fascinating study of a culture on the precipice of change. Some of his most intriguing images were conceived as sequences presenting a narrative from beginning to end. A series of four images titled Le mani parlano 1956 (The hands speak) depicts a trio of old Italian women embroiled in discourse—a remarkable study of facial expressions and hand gestures that need no textual explanation. In another endearing series, I ragazzi della via 1955 (Boys of the street), a gang of six boys engaged in mock battle-- armed with peashooters-- dart across the picture frame. Italian neorealists admired the American aesthetic of Social Realism. They were influenced by seemingly diverse “standards” of American photography that played out concurrently: the work produced by The Farm Security Administration- a collective of socially-concerned photographers in Depression-era America; the singular work of one inspiring American, Paul Strand, who changed the face of photography as illustrated in his Italian work, Un Paese (with text by Cesare Zavattini, Einaudi 1955); as well as the impact of photojournalistic essays advocating social change that were sponsored by weekly news magazines like LIFE. Such were the influences that resonated within the work produced in Italy in the 1950s. Until now, this period of Italian photography has not received the scholarship it so richly deserves. Migliori’s spontaneous visual records of wonderful little moments captured in the everyday lives of the Italian populace lasted less than a decade, but yet survive as his most powerful vision. His ongoing experimentation- with cliché verre, camera-less photography, light abstraction, serial portraiture and hand-worked polaroids, represents a fraction of the self-imposed challenges undertaken by this multi-faceted artist. http://www.keithdelellisgallery.com/Press%20Releases/Exhibit%20Description%20Migliori.html Nino Migliori is a photographer and one of the most authoritative voices in Europe’s culture of the image. His beginnings appear to be divided between neorealist photography and a tendency to experiment on materials with an entirely original and novel approach. Since the late Sixties his work has acquired conceptual significance and in subsequent years this trend has gradually become predominant. He is one of the few photographers in Italy to have pursued the investigations of the avant-garde movements in their reflections on iconographic languages, using photography as the central pivot of the imagination and of contemporary formal research. Every one of his works is the result of a precise project on the power of the image, a theme that has characterized his entire production. He is the author who best represents the extraordinary adventure of photography, which started off as a documentary tool and has gone on to acquire values and contents associated with art, experimentation and play. http://archivio.fotografiaeuropea.it/Sezione.jsp?idSezione=1969 Nino Best, she's always been an interpreter. We can say that the things of the world become photograph when they encounter its culture, what he saw, what he read, what you heard? Yes, it is. Each of us interprets reality through their own culture which is, as I often like to quote, what remains when you have forgotten everything. When shooting you choose a portion of the world that already belongs to us and that is read through the filter of what each of us is. In other words we can say that we take a photograph when we meet and recognize ourselves. The interpretation of reality has a longer life, and perhaps a more universal scope, based on the paperwork? I do not believe in aseptic documentation and above the parties. It is always a personal reading, is a representation and as such is affected by those who have set the scene. It is a decade-long controversy that comes on especially when it comes to photojournalismand to use almost obsolete terms is like saying "seen from right and seen by the left." Already in 1978 with work Segnificazione argued and I demonstrated that the intervention of the photographer is heavy and foundational in the running object photograph, simply by using two typical procedures in the realization of the image in the darkroom: the contrast and magnification. The start was an engraving Ecce Homo by Guercino, I photographed and then printed them by increasing or decreasing the contrast, and it turned out completely different images attributable to centuries and different art movements, from a Caravaggio in a nineteenth-century madonnaro. So, magnifying small details obtained images attributable to pop or to optical art. All interventions in the darkroom ... The darkroom is not an aseptic place, we can say that is a veritable factory of consent. To take a trivial example, but historically documented: how many characters have been deleted by the official regime photos when they were no longer aligned with the power? I say some words and she explains that role did in his research. Let's start with "Human Figure." I began to photograph in 1948 because I felt the need to regain possession of life after the terrible years of war and I thought that photography was a means for me more congenial. I felt the need to establish relations and the camera was like a skeleton key that allowed me to get into communication with others. So I began the series of "People of Emilia", "Northern people", "People of the South" and "Delta people". This is the realist period, and the man even when there does not appear directly, because there are his tracks, his testimonies to start by writing on the walls, as in the work on the walls began in the fifties, to arrive at the latest "Cuprum" of 2015 that represents the transition, the large attendance of people at the tables of a London pub. Now we speak of "Nature". As for nature, one of my reference points Lucretius and his De Rerum Natura that led me to make the first work on this issue Herbarium in 1974. It treats of beauty and its inexorable change until dissolved, but maintains charm and pleasant even in the moment of death. In 2009 an exhibition unaware Nature was made that collected my works on this subject, including installations, from "Still Life" of 1977 to "So in heaven" 2000-2003, by "course" of 1986 to "Voyage inside a leaf "in 1991 to" the magic garden of Ludwig Winter "in 2009. the latter is a book author in a single original, because it consists of 21 Polaroid, which is the alchemical opus. Finally "Irony". Many people refer to 'irony that perhaps it is a part of my character. When he realized that amateur photography, linked to the circles, he could become a profession? And what marks this boundary, if there is a border? Photography, for me, has never been a profession. For me photography is communication, you need to tell something, it means explain an idea, a feeling, a thought through images. For this reason when I have been commissioned works, I always wondered white paper. This is certainly a my limit, are not able to perform a mandate of expressive choices made by others. We speak of his trials. I think it's always been more interested in the material it is made film, the printing process, compared photographic apparatus. There is something that fascinates him in that chemical conversion process? The interest in materials was born together with the photographic practice. Then they were printing their own photographs, and I became curious to see that a piece of photographic / w wet paper by the acid remaining in the light had acquired unexpected colors, so I began to ask me questions on the medium, verify the language: light, paper, film, development , fasteners, heat, time. Hence arose all the off-camera experiments by oxidations, precisely, to Pirogrammi, to Lucigrammi, to Cellogrammi and so on. The transformations, manipulations, all that takes place in the darkroom is achieved by these means. Obviously the camera is important to start from the lens choice that conditions upstream the image type, but the result Photography is the sum of two components. His experiments produce a work with an aesthetic very strong. Are you interested in beauty? No, it is not a priority, because what counts for me is the project, then if the realization has also a visual pleasure you get the maximum. In fact, in the fifties the experiments represented a tear, a tear of the schemes, almost an anti-aesthetic since then the "beautiful" was represented by realistic photography structured on the strengths. Very few, as Luigi Veronesi , they considered the photograph, but then even now, after almost seventy years, a part of the like-minded photographers then both conceptually and visually. When the search for "beauty" is likely to overshadow the "content"? And how do you avoid this risk? The beauty is a category that changes over time, so it is not absolute. The beautiful women of Rubens Juno and cellulite, far from the idea of female beauty that we have today, but this of course does not diminish the greatness of Rubens as a painter, it's just to illustrate the concept. Anyone who follows the nice end in itself can only replicate with little change a pattern, and this is something boring, because, as I said, what fascinates me is the project that is the ability to tell. And if you want to write several short stories you may not always offer the same stylistic feature. The Diver is his picture that we consider the most famous. What is your opinion of this shot? This is the typical case in which the son takes over the father in many of the world know the Diver, far fewer know the author's name.It is not the favorite child, but since has become an icon I quote him as paper cards, is a way to introduce me and recently I have also chosen as the Best logo Nino Foundation, an institution founded recently. His photography was born from the observation of visual art. Who inspires you? Because we are the result of all that we have experienced, read, seen, heard, we are a complex mosaic and inspiring myths do not originate solely from the visual arts. The three reference points that have always accompanied me are Lucretius, which I have already mentioned, Leonardo and Duchamp. Leonardo 's constant quest for the desire to experience to the bitter end, for the knowledge that has never arrived. Duchamp to the need to break the rules, for the pleasure of doing regardless of applause, even the taste of designing without realizing. One of the most common objects of his research is the nature. In some cases, she was confronted with the metamorphosis of nature, elements that are transformed thanks to the photographic process and become another. What concerns the metamorphosis? Basically everything is subjected to metamorphosis, we change constantly with cellular renewal. It is the road we travel daily to the extreme change. Death has always fascinated me because it is the only certainty we have and that, paradoxically, but of course, we tend to remove. In 1974-76 he made "Time dilated," a work related to this issue. It consists of four photographs: the first is my portrait, the fourth is the X-ray of my skull and the other two are intermediate steps. The nature, the weather, the metamorphosis and death are also the theme of Time slowed in 2009. coffee shop at the Louisiana Museum near Copenhagen met vessel containing fruits and vegetables dipped in a preservative liquid but which, albeit imperceptibly, They were beginning to show signs of deterioration and photographed them. Also this work is related to the concept of beauty, metamorphoses, transience with a precise reference to Vanitas. Another risk is the exercise of the great experimenters style. Meanwhile I want to ask whether the exercise of style is really a risk or if it is something positive or necessary. And then, at what time the exercise style evolves and becomes part of the author's artistic career? If you intend to exercise in style seek to affirm one stylistic and repeat it year-old times, this becomes crystallization, freezing of an artistic career, and not mine. Otherwise it is an attempt to analyze different languages and, over a period, starting another. Each exercise is a piece of the puzzle that will eventually give form and substance to the image we have of an author. The reality and the world affect them today as interest her at the beginning? I would say that I have always maintained the same curiosity and interest in each other to me. Maybe, if it's changed, now almost bulimic to know, to be able to come into contact with anything that stimulates me. That's why I asked for an extension of at least another thirty years to meet my needs. Mario Giacomelli, was born in Senigallia, Italy, on 1 August 1925. By the age of thirteen, he had taught himself the fundamentals of painting, dropped out of high school and begun working at a printing shop as a typesetter, becoming fascinated in the process of creating and dismantling the world of words and images. He also painted, and was a secret car racing enthusiast. He became fascinated with bits of wire in the walls at his shop and decided to teach himself the foundations of photography in order to photograph them.
The Second World War inflicted a heavy toll on the region surrounding Giacomelli's hometown, Senigallia. Moved by this, he set about documenting both the local landscape, and rural people in their small farming communities often with an emphasis on the old, the sick and the poor. His photographs were often desolate, ridden with natural scars and interesting impurities. Obsessed with disturbing themes of loneliness and death and quickly establishing a distinct style, he employed intense contrasts to conjure up dream-like, poetic settings. To help achieve this he applied manipulative techniques in the darkroom, adjusting the amounts of light by means of burning and dodging . Giacomelli's work maintained the strong themes that were bound up in his childhood and he began to travel, scouring the Italian landscape for subjects to photograph. It was during this time, in Scanno, an Italian city that had also preoccupied Henri Cartier Bresson, that Giacomelli produced one of his masterpieces, Scanno Boy (1957). The picture depicts a small group of women walking towards the camera in the foreground with only one figure in focus: a lone boy walking with his hands in his pockets in the middle ground of the photograph. On the birth of Giacomelli's son, who was tragically born disabled, the family visited France for a brief period. They travelled to Lourdes, a site of great spirituality and renowned for healing, where Giacomelli produced some amazingly powerful and emotional images. In 1960, Giacomelli was commissioned by the Catholic Church to document the lives of local priests. Giacomelli worked on the project en titled ''No Hands Caress my Face'', better known as the ''Pretini'' series, which is an almost performance-lead body of work taken in the seminary of Senigallia and later shown at Cologne Photokina in 1963. He applied both a blurred and candid feel to this project and by the end of 1961, Giacomelli had created a body of work that is often seen as his most celebrated and revered. It was at this time that John Szarbowski, the Head of the Department of Photography of the Museum of Modern Art in New York, bought some of Giacomelli's prints of Scanno, and published one in his book entitled ''Looking at Photographs: 100 Pictures from the collection of the Museum of Modern Art''. He died on 25 November 2000 in the town of his birth, after a long battle with cancer. http://www.beetlesandhuxley.com/artists/giacomelli-mario-1925-2000.html Mario Giacomelli was born on August 1st, 1925 in Senigallia. He was left an orphan by his father at the age of nine. His mother, in order to support her children who were still very young, works as a washerwoman at the hospice. When Mario is thirteen, he finds work as an apprentice at the Typography Giunchedi until the Second World War breaks out. After the war, he returns to the Typography Giunchedi as a worker after having taken part in reconstruction work due to the bombing. In 1950 he decides to open his own typography. An elderly woman from the hospice where his mother worked will allow him to take this plunge by lending him all her savings. So The Typography Marchigiana via Mastai 5 is born, it will become, over the years, a place of ‘‘pilgrimage‘‘ for artists, critics, and scholars from all over the world. In 1953 Giacomelli buys a Bencini Comet S (CMF) 1950 model, with re-entering achromatic optics 1:11, 127 film, shuttering with tempos 1/50+B and synchronous flash. He goes to the beach and snaps the first photos. Hence L’approdo (Landing) is born, the well-know photograp about a shoe carried on the shore by the waves, with which he takes part in quite a few amateur competitions, and with which he understands immediately his will to express himself through the medium of photography. Between 1953 and 1955 he begins assiduously taking photos of relatives, colleagues, people from his circle of friends in very theatrical poses and iconographic constructions. The famous photo Mia Madre (My Mother) (a portrait of the mother with a spade in her hands) is from this period. In these years he frequents the photographic studio of Torcoletti, and it is this man who, having perceived the great expressive potential of the young typographer, will introduce him to Giuseppe Cavalli, an artist and art critic with a charismatic temperament, who initiates him to reflect on Photography and Art, introducing him to the great photographic circles of the time such as the “Bussola” and the “Gondola”, at the heart of the reflection on the role of Photography in art and society. Under the guidance of Ferruccio Ferroni and with the supervision of Cavalli, Giacomelli penetrates photographic technique until he finds his own expressive self-assurance. And so, in 1954 the photographic group “Misa” is officially born. Giacomelli’s road to notoriety is opened when he wins the prestigious Concorso Nazionale di Castelfranco Veneto in 1955. Here Paolo Monti, a member of the jury, calls Giacomelli “the new man of Photography”. Very soon Giacomelli will feel Cavalli’s stylistic precepts too strict. He feels that the gray tones are instead not suitable to represent the impetuous and the tragic ones he finds in his strong contrasts of black and white which at the time were sensational. The first investigations on the Ospizio (Hospice) and Paesaggi (Landscapes) belong to these years, and the artist will develop them over the following decades. Giacomelli continues participating regularly in amateur photographic competitions receiving numerous awards and good reviews. The arrival of the mythical Kobell Press, with the Voigtlander color-heilar lens 1:3,5/105, dates back to 1955, the camera from which he will never separate and that he will manipulate, personalizing it. In the same year he meets Luigi Crocenzi, introduced to him by Cavalli. In 1956 Pietro Donzelli, in a letter sent to Giacomelli, insists on the necessity of structuring the photographic production in sequences and stories. Crocenzi’s teaching was of the same kind. Several series with a “reportage” style belongs to this period; among them: Lourdes (1957), Scanno (1957/59), Puglia (1958, where he will get back to in 1982), Zingari (Gypsies) (1958), Loreto (1959, where he will get back to in 1995), Un uomo, una donna, un amore (A man, a woman, a love) (1960/61), Mattatoio (Slaughterhouse) (1960), Pretini (1961/63), La buona terra (The good land) (1964/66). Romeo Martinez meanwhile opens for him the road towards publications in specialized Photography magazines. Continuing his research, the photographer begins asking peasants, paying them, to create precise signs on the earth with their tractors, acting directly on the landscape to be photographed, and then emphasizing those sign in the printing (anticipating the American Land Art of the 60s and 70s). Giacomelli realizes that he should start from reality as a pretext to search, in its forms, a new meaning which could allow him for an extreme approach to reality through photography: Motivo suggerito dal taglio dell’albero (Motif suggested by tree cutting) (1967/69) is born, followed by the series Favola verso possibili significati interiori (Fairytale, towards possibile interior meanings) (1983/84) and others, in a creative process increasingly abstract. Through Crocenzi, in 1961 Elio Vittorini asks Giacomelli for the picture Gente del Sud (People of the South) (from the series Puglia) for the cover of the English edition of Conversazione in Sicilia (Conversation in Sicily). In 1963 Piero Racanicchi, who together with Turroni was among the first critics to support Giacomelli’s work, brings the photographer to the attention of John Szarkowski, director of the department of Photography of the MOMA in New York. In 1964 Szarkowski acquires the entire series Scanno and some of the pictures from the series Pretini (Little Priests). In the same year he partecipates at the Biennale di Venezia with the Hospice series Verrà la morte e avrà i tuoi occhi (Death will come and will have your eyes), where the concept of photo-story is highlighted. Under Croscenzi’s influence, in 1967 Giacomelli thinks about the realization of a photographic series hinging on photo-story interpreting Caroline Branson of the Anthology of Spoon River by Edgar Lee Master, and asks Croscenzi to give him a plot that he can follow. The series could be destined for television, but what would ensue is a result that Giacomelli cannot find in his chords, so the project is scrapped, but the series is completed all the same in 1973, completely distorted, and here the overlays appear for the first time, a stylistic expedient that Giacomelli will resume in all of his future productions. In 1966, the artist meets Alberto Burri, with whom he forms a deep friendship, and to whom he will dedicate some works from Paesaggi (Landscapes) where there is a strong reference to the Non-Representational Art and to the poetics of the painter. Non-Representational Art, in fact, fascinates Giacomelli so much that, from the end of the 50s up to the 70s, he himself creates hundreds of pictorial works; and in the sixties he joins a Senigalliese artistic group where they debate on art and abstractionism, a group formed around the figure of the frame maker and seller Mario Angelini in via Arsilli, where painters and sculptors such as Marinelli, Ciacci, Donati, Gatti, Genovali, Bonazza, Mandolini, Moroni, and Sabbatini gathered. In 1978 he participates in the Biennale of Venice with photographs from Paesaggi (Landscapes). In 1980 Arturo Carlo Quintavalle writes an analytical book on the photographer’s full body of work, acquiring a good quantity of his works for the CSAC centre in Parma. Abstractionism can be found in an explosive way in the series Favola, verso possibili significati interiori (Fairy tale towards Possible Inner Meanings) from 1983/1984. The date when he meets the poet Francesco Permunian with whom he strikes up a collaboration which produces the series Il teatro della neve (The Snow Theatre) (1984/86) and Ho la testa piena, mamma (My head is full, mom) (1985/87). From here to the end Giacomelli creates photographic series inspired by poetic texts: in 1984/85 he creates Il canto dei nuovi emigranti (The song of the new migrants) (Franco Costabile), in 1986/88 Felicità raggiunta si cammina (Happiness reached walking) (Eugenio Montale), in 1986/88 Infinito (The Infinite) (Giacomo Leopardi), in 1986/90 Passato (The Past) (Vincenzo Cardarelli), in 1987/88 A Silvia (To Silvia) (Giacomo Leopardi), in 1992/94 Io sono nessuno (I am nobody) (Emily Dickinson), in 1994/95 La notte lava la mente (Night washes the mind) (Mario Luzi), in 1997/99 Bando (Sergio Corazzini), in 1998/2000 La mia vita intera (My entire life) (Jorge Luis Borges); and later he changes the titles of the Hospice series with titles taken from poems (Verrà la morte e avrà i tuoi occhi (Death will come and will have your eyes) (1954/83) by Cesare Pavese, and Ninna Nanna (Lullaby) (1985/87) by Leonie Adams), and of the Pretini series (Io non ho mani che mi accarezzino il volto (I don’t have hands caressing my face) from a poem by Father David Maria Turoldo). In 1983/87 he creates Il mare dei miei racconti (The sea of my tales), aerial photographs taken at the Senigallia beach. In the 70’s-2000 Giacomelli photographs the Adriatic coast near Senigallia, thus creating the series Le mie Marche (My Marche). In 1986 his mother dies, and for the artist it is a very strong trauma that marks a change in his photographic production towards an ever more explicit autobiographical fact. By now his fame has spread and reached to international levels and in the world his works are sought after by the most prestigious Art museums, while his research becomes ever more introspective, intimate and solitary, closed within his territory, the Marches, photographing the landscape as a possible place in which to find himself again. The series Vita del pittore Bastari (Life of the Painter Bastari) of 1991/92, his self-portraits and the corroded walls of Poems in search of an author, Bando (1997/99) (once again voted to abstraction), 31 Dicembre (December 31st) (1997), are by now sceneries completely built by a Giacomelli who is a film-director before being a photographer. Interesting to follow his existential journey through his photographic production, a total fusion between life and art, in a vision of photography as a tool to get under the skin of the real, to discover that there is no sharp separation between the world and the person who looks at it. On November 25th, 2000 Giacomelli dies after a long illness, working on his photographs until the end, in the creation of the series: Questo ricordo lo vorrei raccontare (I wuold like to tell this memory) (1999/2000), La domenica Prima (The Sunday before) (2000). http://www.archiviomariogiacomelli.it/en/biografia/ Mario Giacomelli, the Italian photographer perhaps best known for his joyous pictures of young priests reveling in a snowfall, died on Nov. 25 at home in Senigallia, a small town on the shores of the Adriatic Sea, where he had lived all his life and whose farmlands and people were the subjects of his spare, often darkly expressionist work. He was 75. The cause was cancer, said Davide Faccioli of the Galleria Photology in Milan, who represents him. A self-taught photographer, Mr. Giacomelli had a poet's eye for the startlingly abstract order man can impose on nature and a poet's understanding of the great disorder that is the human condition. Among his memorable images is one sometimes known as ''The Scanno Boy,'' part of the 1957-59 series of pictures that Mr. Giacomelli took in Scanno, an impoverished town in the Abruzzi region of central Italy. Framed by elderly women in black, the boy is set apart by what John Szarkowski, former director of the department of photography at the Museum of Modern Art, has described as ''the halo of the worn footpath.'' With all the faces blurred except for the boy's, the picture is dreamlike and in its stark dichotomy -- youth surrounded by old age -- could almost be a reprise of the artist's boyhood. Mr. Giacomelli was born on Aug. 1, 1925, in a part of Italy whose old ways were passed from generation to generation. His father died when he was 9; his mother worked at Senigallia's home for the aged and the young Mario often accompanied her there. When he was 13 he became an apprentice in typography. As a young man, he worked as a typographer, painting on weekends and writing poetry. Inspired by the wartime movies of filmmakers like Fellini, Mr. Giacomelli taught himself still photography and found his art in the generally impoverished countryside. Serendipitously, the Italian photographer Giuseppe Cavalli had moved to Senigallia and was eager to form a club that would promote photography as art. In 1953 the Misa club was formed, with its officers including Cavalli as president and Mr. Giacomelli as treasurer. In 1954 Mr. Giacomelli began to photograph the home for the elderly where his mother had worked, completing the series in 1983. Empathetic but grittily unsentimental, the pictures show many women seemingly marooned in the sea of old age. In 1985-87, Mr. Giacomelli revisited the subject for his series ''Ninna Nanna,'' which means lullaby. This time, the deeply lined, gaunt faces of the aged are a bleak counterpoint to the bold lines and patterns found in the fields and on the sides of houses. Mr. Giacomelli's overhead views of mystifyingly abstract, horizonless landscapes, which he took from the time he snapped his first pictures, in late 1952, through the 1990's, place him in the company of photographers like William Garnett and Minor White. Mr. Giacomelli's 1970's images of geometric patterns in Senigallia's fields bear striking parallels to Aaron Siskind's contemporaneous photographs of wall abstractions. Contrary to published accounts that he freely manipulated his pictures, Mr. Giacomelli did not change the elements in his work from the 1950's through the 80's, said Giuliana Scime, a photography historian and critic in Milan. ''He gave dramatic tones in the darkroom,'' she said, making the whites whiter and the blacks blacker. He also experimented with double exposures, especially those made in 1971-73 to accompany an edition of Edgar Lee Master's ''Spoon River Anthology.'' Simona Guerra, Mr. Giacomelli's niece, denied accounts that he had used a borrowed tractor to create the desired geometrics in a ploughed field. She recalled that he had once gone out with friends and stomped around in the snow, making footprints ''to record man's passage through nature.'' It was only in Mr. Giacomelli's work in the 1990's that he occasionally combined elements from several negatives in a print, said a representative from the Galleria Photology. Mr. Giacomelli is survived by his wife, Anna; a daughter, Rita; two sons, Neris and Simone; and two granddaughters. Although he photographed in places like Ethiopia and documented Tibetan Buddhist rituals and pilgrims at the Lourdes shrine in France, the great mystery that enthralled him was life's order and disorder as seen in a small Italian town. ''Maybe I've never photographed landscapes,'' Mr. Giacomelli once said. ''I've only loved them.'' In the catalog for his 1983 retrospective at the Photogallery in Cardiff, Wales, Mr. Giacomelli asked, ''Why does nature die and then always springs to life again, and man does not do so?'' http://www.nytimes.com/2000/12/06/arts/mario-giacomelli-poetic-photographer-is-dead-at-91.html BIBLIOGRAFIA 1954 - "Fotografia" n°4 del 12/8/1954 art. di … in un articolo incentrato su la Misa e Cavalli, tra gli altri nomi appare quello di Mario Giacomelli. Vengono citate due foto: "testa o croce" e "Approdo". Viene menzionata anche una mostra, la prima collettiva, a Roma presso l'A.F.R. nella prima metà di maggio. 1955 - Viene pubblicata la prima fotografia, un paesaggio, "Le colline di Leopardi" all'interno della Rivista Fotografica Italiana, n°2 febbraio. 1955 - Grande successo dell'associazione fotografica Misa. Di Luigi Ridolfi, sulla Voce Misena del 2/4/1955 n°14 "Che a Senigallia ci fosse un'associazione fotografica chiamata Misa lo sapevamo. Ci avevano detto che l'anno scorso, nel suo primo anno di vita, aveva ottenuto qualche successo... siamo andati a trovare un vecchio amico, l'avvocato Cavalli. Perché Cavalli, ha il pallino della fotografia, e la Misa è nata un po' da lui... non tutti i marchigiani sanno che questo vivaio di appassionati dell'obiettivo ha la sua base principale a Senigallia. una base modesta, ci precisa l'avvocato Cavalli "modesta a ragion veduta: evitiamo sempre ogni forma sia di pubblicità che di polemica... cerchiamo insomma di tenerci fuori dalle solite diatribe... sul realismo? Astrattismo? Lirismo? Polemiche che servono, molte volte solo a turbare chi ha desiderio di lavorare. A noi fa piacere, invece, esser lasciati tranquilli al nostro lavoro. Che è un lavoro calmo: ci vuole del tempo per formare un gusto artistico cosciente; ci vuole del tempo per togliere ai giovani i difetti di tecnica, i difetti di stile, i facili abbandoni a un sentimentalismo di maniera; fargli capire ad esempio che Chopin è sentimento ma "La biondina in gondoleta" è sentimentalismo... il sentimentalismo porta alla oleografia, come l'intellettualismo, specie se nasce da nozioni mal digerite, porta al deserto, intendo deserto poetico...." "abbiamo sentito dire che la Misa all'ultimo concorso nazionale si è piazzata al primo posto fra tutte le associazioni italiane. È un bel successo!" "Sì, è un bel successo; ma non è il solo. Nello stesso concorso nazionale un nostro socio, Mario Giacomelli, ha vinto il primo premio con il complesso delle sue opere, fra tutti i partecipanti. Vincere con un complesso di opere significa essere in grado di dimostrare una personalità.... ma adesso se vuoi farti un'idea più efficace del nostro clima, vai a far due chiacchiere con Giacomelli. Tu lo conosci; starà certo lavorando nella sua piccola tipografia."... vado a pescare Mario Giacomelli. Il quale effettivamente è al lavoro con il suo camiciotto nero, le mani impiastricciate di inchiostro tipografico. Giacomelli, 25 (30 primavere n.d.a) primavere, moro, occhi vivi, ha un sorriso cordiale: "Certo che sono contento di aver vinto ad un concorso nazionale. Tanto più che fotografo soltanto da un anno circa. La fotografia mi piace moltissimo sento che con essa mi è possibile esprimere i miei sentimenti. Non è sempre facile, ci sono difficoltà anche tecniche e, come quando uno parla non trova a volte la parola adatta per esprimere quello che ha dentro, così in fotografia ogni tanto si vorrebbe dire ma non si riesce. Sono grato a Cavalli che fin dai miei primi passi mi ha sempre incoraggiato e sostenuto. Credo che siano parecchi in Italia i giovani che gli devono gratitudine. Egli ci lascia liberi di seguire la strada che più ci piace, si limita soltanto a consigliarci nella scelta e a sorvegliarci nel gusto. E che la guida sia saggia è dimostrato dal fatto che è stato lui a selezionarmi i lavori che al concorso nazionale mi hanno fatto, con molta gioia, vincere. Lo dica, per piacere: perché so di avergli dato una consolazione. E ne sono felice." 1956 - Catalogo della mostra internazionale di fotografia di Venezia a cura di Fulvio Roiter. 1957 - AA.VV. 26 fotografi italiani, IV mostra di fotografia "Città di Spilimbergo" Tipografia Ciussi, Udine. 1958 - "Mario Giacomelli" recensione di Guido Bezzola in "Ferrania" di Luglio "In Giacomelli i risultati positivi sono molto alti, si impongono a noi come foto urtanti ma indimenticabili, danno vita e rilievo ad un mondo aspro, crudo e violento che è il nostro, che è la vita di ogni giorno, ma che noi tentiamo sempre di ricacciare nel subcosciente per paura di riconoscerci in esso. Giacomelli questa paura non l'ha e bisogna dargliene atto, anche perché, prima o dopo comprenderemo tutti quanto di vero e di giusto c'è nelle sue affermazioni, avvertiremo tutti la profonda malinconia, il sincero affetto che lo animano, che lo guidano nel suo avvicinarsi ai temi più segreti della vita dell'uomo." 1959 - "Giacomelli, prima e seconda maniera" recensione di Giuseppe Turroni in "Fotografia" Maggio 1959 "… nel campo silenzioso della sua provincia, Giacomelli sa sentire immagini che noi appena percepiamo, sa far vibrare emozioni che non ci toccano o ci lambiscono come l'acqua fa col marmo." 1959 - "Mario Giacomelli" recensione di Giuseppe Turroni in "Photo Magazin" per la mostra alla biblioteca comunale di Milano "I giovani come Giacomelli, nutriti da uno stile asciutto e castigato, hanno inteso immediatamente la caducità, la friabilità, di questo orecchiato Neo-realismo…hanno voluto approfondire il loro linguaggio espressivo, allo scopo di esulare dal campo - così schematico e convenzionale - della realtà, per toccare quello della verità. Ma una verità loro, non imposta da mode, da maniere altrui… Giacomelli però non è un formalista… Il fotografo di Senigallia ha uno stile, il che significa che ha un proprio linguaggio e dunque un messaggio da comunicare al pubblico. Tale messaggio è tutt'altro che sradicato dalla realtà, dalla verità umana. si pensi al magnifico reportage " vita d'ospizio" il più crudo, il più lancinante messaggio di pietà che la nostra fotografia ci abbia mai dato. Si pensi ai suoi nudi, non edonistici, non decorativi, non estetizzanti a quella maniera paesana e volgare che tanto disprezziamo: nudi che entrano nel mistero e nell'angoscia del sesso e comunicano una verità universale, insopprimibile: quella della tristezza, della gioiosa tristezza della carne. Si pensi infine, alla purezza delle sue nature morte, al fulgido incanto dei suoi paesaggi. Questo è formalismo? Signori qui si vede male, anzi non si vede addirittura. Forse perché si è incapaci di cogliere la poesia di queste immagini. Poesia che esula anche dai confini - così tecnicistici, talora - della fotografia. Lo diceva …un collaboratore… su queste colonne: Giacomelli è un "caso" che poco ha da spartire con la fotografia. Un autore che penetra nel campo dell'espressione artistica, diremmo, in piena regola, con uno stile suo, inconfondibile, lirico…Giacomelli ha la stoffa del fotografo classico; il documento è trascurato per assumere poi un senso profondo, vastissimo. Egli è pure uno pochi fotografi che abbia qualcosa da esprimere e che l'esprima con sentimenti suoi, e con uno stile personale…ecco dunque un vero artista della fotografia, le cui immagini non invecchieranno e figureranno benissimo in un volume - ancora da scrivere, purtroppo - dell'espressione fotografica, in Italia e all'estero." 1961 - "Un uomo, una donna, un amore" rec. di Guido Bezzola in Ferrania 1961, Aprile. "…È la vita, appunto, quella che figura qui, informe e meravigliosa e disordinata e purissima, riassunta nel tema eterno di due innamorati: non vediamo cos'altro si potrebbe dire, se non sottolineare la sensibilità e se si vuole la sensualità dell'autore, ma sane, diritte, esplicite, espresse in un linguaggio che dell'amore ha la foga e la commozione e l'esuberanza e la speranza, ma insieme è regolato da un'esperienza consumatissima e da una capacità tecnica estrema. Ci sembra che con queste foto Giacomelli si ponga al di la delle primissime posizioni, riesca in un certo modo a segnare una data, almeno per ora. Certo è ancora molto giovane, può ancora guastarsi, credersi un superuomo, pensare che ogni immagine scattata da lui sia un capolavoro, e allora addio, le nostre speranze se ne andrebbero tutte. Per questa serie, tuttavia, non possiamo parlare soltanto di speranze, ma anche di certezze, perché questo messaggio d'amore e di passione di vita è un risultato non cancellabile, comunque sia per volgersi il futuro. 1962 - "Mario Giacomelli espone allo Studio 28 di Parigi" rec. di S. Manbel in "Giovane fotografia" Febbraio 1962 "Vita d'ospizio. Ecco senza dubbio il vertice dell'esposizione. Questo servizio su uno ospizio di vecchi mette in valore tutto il genio di Mario Giacomelli. È per mezzo della poesia che il fotografo ha scavato il muro della desolazione e della solitudine, è per mezzo della comunicazione e un filo di delirio che egli ha penetrato questi esseri strappati alla vita attiva, alle speranze, all'avvenire… ed è per questo che occorre ricordare l'esposizione di Giacomelli, il realismo reinventato dagli italiani verso l'anno 1944, si è a poco a poco, trasformato, grazie a dei cineasti come Rossellini o Visconti e a certi fotografi, in una conquista del reale. 1962 - "Personale di Mario Giacomelli a Senigallia" recensione di P. Zampi in "Fotografia" ottobre. "…Ci auguriamo che Giacomelli faccia ancora dell'altro, molte altre cose e soprattutto quei "racconti", quelle lunghe e commosse sequenze che tolgono la fotografia dal compiacimento edonistico della "bella immagine" presente talvolta in queste nature, in questi paesaggi, in queste composizioni." 1962 - "Guida alla critica fotografica" di Giuseppe Turroni, Milano. "Bisogna riandare ai grandi del passato per trovare una personalità così ricca e dotata. Anche noi, dunque, abbiamo il nostro "grande" fotografo. Peccato davvero che su queste figure nostrane non sia possibile costruire una leggenda e un mito: appunto perché sono figure che non "rendono" sui servizi dei rotocalchi, non "fanno" Armstrong-Jones o William Klein." 1962 - "Sobre Mario Giacomelli" rec. Di M. Ballester Cairat in "Arte Fotografico" dicembre, Madrid. 1962 - Catalogo della mostra alla Galleria Aixelà in ottobre-novembre a Barcellona. 1963 - Catalogo della mostra "Photography 63. An international exibition in New York 1963 - "Looking at photographs. 100 pictures from the collection of the Museum of Modern Art" John Szarkowski. 1963 - Catalogo della mostra personale (realizzata assieme ad una retrospettiva su Cavalli) a Senigallia in settembre. All'interno oltre allo scritto di G. Turroni troviamo anche dei piccoli articoli critici di Sandro Genovali. 1964 - "Io non ho mani che mi accarezzano il volto…" recensione di Piero Racanicchi in "Popular Photography Italiana" febbraio. "una fotografia di contenuto e d'esito così squisitamente interiore si è qui fatta concezione o visione di vita umanamente ed artisticamente originale, sottintendendo un guadagno di idee, di sentimenti, di esigenze e problemi, che sono andati oltre l'estetismo breve ed appagato, investendo l'autore e la sua personalità." 1964 - "Mario Giacomelli" catalogo a cura di A. Arcari per mostra personale al Circolo Fotografico Milanese 1964 - Catalogo a cura di C. Querol Anglada per la mostra al Casino del Comercio, Terrasa. Spagna 1965 - " Must come from the pictures itself" N. Lyons in Popular Photography settembre. 1966 - Catalogo della mostra "Breve omaggio a Mario Giacomelli" con rec. Di Paolo Monti. Novara 1967 - "Mario Giacomelli" rec. di Peter Tausk in "Foto Prima" marzo. 1968 - "Tradizione e Avanguardia" Sandro Genovali, Resto del Carlino. 13 Agosto 1968 - "Mario Giacomelli" articolo di A. Zaro in "Fotocine" maggio. 1968 - Catalogo mostra collettiva. G. Turroni, Pescara. 1970 - "Giacomelli un grande artista senigalliese" di Sandro Genovali in "Regione Marche". Luglio 1973 - RISTAMPA "Looking at photographs. 100 pictures from the collection of the Museum of Modern Art" John Szarkowski 1974 - Articolo di A. Colombo su Progresso Fotografico numero di ottobre. 1975 - Catalogo della mostra "The last twentieth century landscape Photographs" Bill Brandt Londra 1975 - Catalogo della mostra "The magic image" Cecil Beaton, Londra 1976 - Catalogo della mostra "Mario Giacomelli" Giuseppe Turroni, Ascoli Piceno 1977 - Susan Sontag su Le Nouvel Observateur. Gennaio 1978 - Catalogo della mostra "Immages des Hommes", Bruxelles 1978 - "Un artista senigalliese, Mario Giacomelli" articolo di Sandro Genovali in "Controvento" numero di agosto. "L'intervento del suo occhio, del suo occhio-obbiettivo, scompone tutte le pianificazioni dell'abitudine, procede ad una rilettura del reale rivelandone una insospettata pregnanza di sensi riposti… infinite possibilità di trasformazione che sono insite negli oggetti quando essi sono veramente "visti", cioè focalizzati come fenomeni puri, insieme di facoltà sensoriali, al di là del loro uso pragmatico, della loro capacità di orientare i nostri comportamenti… l'obbiettivo…non più strumento per restituire una realtà esatta, addomesticata per i nostri bisogni, ma strumento per "obbiettare" autenticamente la realtà, gettarla di fronte, distanziarla e riceverla come sensibilità assoluta. Proviamo a fare un piccolo inventario delle metamorfosi, attingendole a quel grande tema-chiave di Giacomelli che si potrebbe definire della "terra desolata": le righe tracciate dalle spighe di un campo di grano diventano fili di una strana sostanza lanosa; la terra diventa una insospettata sostanza lavica, pumicea o di altro indefinibile tessuto corroso e spumoso; un disegno nella neve diventa una improbabile radiografia della terra, la struttura di una foglia, o altro ancora. Questo potere d'intervenire sulla natura è così drastico e dittatoriale da mettere persino in discussione la natura stessa della fotografia, quello che si dice il suo specifico e che ha i suoi parametri nella lezione dei grandi reporter come Capa e Cartier-Bresson; i quali potrebbero apparire persino deludenti nel loro progetto di bloccare l'esistente dentro il tempo; mentre per un fotografo come Giacomelli, col suo prepotente istinto figurativo, si tratta di bloccare forme assolute fuori dal tempo." 1978 - "70 anni di fotografia in Italia" Italo Zannier, Ed. Punto e Virgola, Modena. 1979 - "Dalla natura dell'arte, all'arte della natura" La biennale di Venezia- Electa Milano 1979 - "Venezia 79. La fotografia" D. Palazzoli, V. Sgarbi, I. Zannier. Edizioni Electa, Milano. 1979 - Italo Zannier, "la fotografia italiana contemporanea", Electa, Milano 1979 - "informale, oggetto, comportamento" Renato Barilli, Feltrinelli, Milano 1979 - "Il paesaggio agrario di Mario Giacomelli" da "Nelle Marche centrali" Vol. II di Sergio Anselmi 1979 - "L'immagine provocata" L. Carluccio, Ed. Electa. Milano 1980 - catalogo della mostra "storie di terra" Luigi Crocenzi, Jesi 1980 - "Mario giacomelli fotografie" Angelo Schwarz, ed. Priuli e Verlucca, Pavone Canavese, Torino 1980 - ESAURITO "Mario Giacomelli" catalogo critico a cura di Arturo Carlo Quintavalle per il C.S.A.C. di Parma. Ed. Feltrinelli. 1980 - "Rubò di tutto. Donne, seminaristi, vecchi d'ospizio. Giacomelli, fotografo verosimile ma non vero" art. di Carlo Leidi in "il Manifesto" del 28/12. "…Anche quando Giacomelli fotografa gente che sa di essere fotografata, il soggetto entra nell'immagine in via del tutto subalterna…nei ritratti, la ragazza che Giacomelli fotografa deve essere imbronciata perché lui la vuole così (se imbronciata lei sia, o meno, se stessa, a Giacomelli non importa per niente). Una conferma evidente di questa indifferenza di Giacomelli verso il soggetto è offerta dalla famosa sequenza sui seminaristi di Senigallia: una quindicina di "pretini" servono al fotografo da pretesto per un gioco formale di bianchi e neri, di contrapposizioni tra realistici muri scrostati e figurette surreali che "violentano" le proprie tonache correndo, giocando e - così svolazzanti - dissacrandole. La citazione del Fellini…è evidente…Estraneità al soggetto…anche la dove, apparentemente, egli si rifà a schemi neorealistici: vedi "la buona terra" in cui i contadini e le contadine sono per lo più strumento di esercitazione formale…Lo squallido ambiente dello ospizio, la tragica condizione dei suoi ospiti vi sono esplorati senza ammorbidimenti, perfino senza pudori. Realismo? Certo le immagini registrano situazioni autentiche. Ma … quella che Giacomelli rappresenta veramente non è che la propria reazione a ciò che vede: così ciò che vede si fa oggetto e non soggetto, emblema e non storia, specchio della cultura propria del fotografo e non momento di verità, fatto anche della cultura del soggetto (vedrà Fellini anche nelle foto dello Ospizio…ndr). Frugare senza alcuna discrezione vecchi corpi disfatti, volti capaci ormai solo di animaleschi riflessi istintivi non è un'operazione di verità, è il suo contrario: è la costruzione di un'emozione sulla pelle di povere vittime (anche tue, quando rubi loro queste disdicevoli immagini). Condannato questo sacrilegio appare quasi fatuo occuparsi degli ulteriori peccati di Giacomelli, commessi tutti nel segno dello stesso "taglio" culturale…(il giornalista loda poi il servizio scattato nel Wollamo - Etiopia - dove il fotografo "fa spazio alla loro indomabile verità") il fotografo marchigiano sembra avviato a percorrere sempre più la strada dell'esercitazione formale alla ricerca della estrazione pura. Un esito coerente mi pare. Ma con quanta rabbia si è costretti a prenderne atto, davanti alla prova che questo libro - malgrado tutto - dà, della grandissima qualità potenziale del costruttore di immagini." 1980 - "Giacomelli. Une photo à la limite de l'abstrait" C. Naggar per " Le Matin ". 1980 - "L'univers secret de Giacomelli" M. Nurisdany per " Le Figaro " 1980 - "Mario Giacomelli" L. Discepoli, P. Verdarelli, F. Orsolini, catalogo mostra al palazzo comunale di Camerino. 1982 - Invito alla mostra "Mario Giacomelli" a Lucera. All'interno si trova uno scritto di Mina Cavalli: "Mario Giacomelli, marchigiano, affettuoso "allievo" di cavalli, si è costruito nel panorama della fotografia mondiale un'area di originalità e di indiscusso valore. Nella vastissima letteratura fotografica molti critici hanno autorevolmente voluto vedere nelle sue opere riflessi di "espressionismo figurativo" ; hanno parlato di visione panteistica del reale o addirittura di autoanalisi in una sorta di rapporto freudiano terra madre-matrigna. Ritengo però che il miglior approccio alle fotografie che vengono proposte in questa mostra sia sgombrare la mente da schematismi intellettualistici e, d'altra parte, guardarsi dal facile inganno della prima impressione-emozione. Vedere nelle vecchine dell'ospizio una denuncia sociale, lasciarsi impressionare dalle inquadrature del Sud, troppo spesso sacrario della retorica, o fermarsi alla suggestione visiva delle interpretazioni di "Spoon River", significa tradire Giacomelli. Bisogna lasciar parlare l'immagine nella loro purezza; e allora i temi di quel mondo (che sono i temi della nostra storia: la natura, i malati, i pretini, i vecchi e gli innamorati) diranno la partecipazione appassionata dell'artista al dolore universale della vita. Ciò avviene ad esempio, in modo privilegiato nel paesaggio, dove la violenza del linguaggio degli alberi si tramuta in infinita tristezza. Lo stesso Giacomelli suggerisce una lettura del proprio rapporto con la natura, quando parla di quel paesaggio che ad ogni primavera rinasce, mentre l'uomo inesorabilmente muore ogni giorno. Ma anche quello che può apparire come il più spietato documentarismo si sposa, in una fusione perfetta, con la limpidezza dello stile, senza sbavature, senza sadismi, senza sentimentalismi. E quest'armonica fusione è forse la più bella lezione appresa da Cavalli. In questa luce si potrà cogliere lo spazio metafisico dove la natura, la vecchiaia, l'amore trovano una collocazione; dove anche la realtà più angosciante si trasfigura in ricordo e in mito, quindi in amore. 1983 - "Mario Giacomelli - I grandi fotografi" Fabbri Editori, Milano. 1983 - "Mario Giacomelli" The friends of photography, Carmel ( California ) 1983 - "La foto sociale" Giuliana Scimè, Fabbri, Milano 1984 - "Mario Giacomelli" Catalogo della mostra al Centro Internazionale di Brera. Ed. Baldini, Milano. 1984 - "Mario Giacomelli. Sogni e incubi di un poeta." Rec. Di Michela Vanon su Photo Italia Dicembre. "Il fotografo di paesaggi ruvidi e puri, spogli di accenti naturalistici, con le loro incantate geometrie, la loro matericità così tipica dell'informale, il libero scoccare dell'energia, ma anche dell'angoscia nello spazio… senso fortissimo del livello sintattico della composizione… esigenza a far ricorso ad elementi puri, … conseguente vagheggiamento dell'Esprit de geometrie … bisogno di massima economicità. Tutte le fotografie di Giacomelli sono metafore, ariose, ma anche violente, di un racconto interiore. Come tali vanno lette: grafico di un paesaggio dell'anima, tormentato e appassionato. Nelle scabre campiture dei paesaggi illuminate da una forte accentuazione chiaroscurale è la stessa inquietudine interna, la stessa sottile disperazione ma anche la profonda "pietas" che rinveniamo nel bue scannato, nel volto rugoso di un vecchio, come nella solitudine di tre monachelle in riva al mare, e la struggente intimità di due innamorati." 1984 - Catalogo degli Incontri di Arles, " XV Rencontres Internationales de la photographie " 1985 - "Mario Giacomelli" Alistair Crawford, Photo Poche 19, Centre National de la Photographie, Parigi. 1985 - "Progresso Fotografico" (articolo) Febbraio 1981; Settembre. 1985 - "Mario Giacomelli" J. Dieuzaide, Galerie Municipale du Chateaux d'Eau, Toulouse. 1985 - "Fotografie di Mario Giacomelli. Interpretando il poeta Francesco Permunian 1986 - "storia della fotografia italiana" Italo Zannier, Laterza, Bari 1986 - "Histoire de la photographie" Jean-Claude Lemagny, Andrè Rouillè, Bordas. Edizione italiana "Storia della fotografia" Sansoni, Firenze, 1988. 1987 - "Mario Giacomelli risponde a Emilio de Tullio" E.de Tullio. Solart Studio, Milano. 1988 - "Il reale immaginario di Mario Giacomelli" Enzo Carli, Il lavoro editoriale, Ancona 1988 - "Italy: one undred years of Photography" Cesare Colombo, Susan Sontag, Alinari, Firenze 1988 - Catalogo della mostra "A silvia/L'infinito. Mario Giacomelli racconta" Giovanna Calvenzi, Edizioni 3nta3, Fermo. 1989 - " Franco Costabile, Il canto dei nuovi emigranti, foto di Mario Giacomelli" F. Adornato, G. Plastino, L.M. Lombardi Satriani, Jaca Book, Milano 1990 - Articolo di G. Turroni su Fotopratica n° 254 1991 - "Mario Giacomelli racconta : L'Infinito ; Passato ; Ninna Nanna " cat. Mostra Comune di Sorbolo e l'associazione Camera Works "Le fotografie vivono nel rapporto reciproco, nel loro ritmarsi in sequenza, con tensioni e torsioni che sono, per analogia, quelle del verso poetico. L'evocazione è l'altra dimensione di queste opere nelle quali qualsiasi immagine, con forza, denuncia il suo non esistere di per se ma essere rimando ad altro, che è musicalità ed emozione. Giacomelli in un certo senso ha ottenuto il silenzio dell'immagine, ne ha distrutto la perentorietà, l'imporsi con la sua fisicità per trasformarla in allusione dinamica, denunciarne il suo carattere fenomenico. Diventando così, le sue immagini, eidetiche nel senso definito da Husserl di ciò che è al di la della percezione sensibile in quanto relativo alle essenze. Le fotografie non riprendono mai immagini provocate o presenti nelle poesie. Anche in questo caso le reinventano. Come non esistono immagini/simbolo, ma solo immagini/segno. La paratassi è ottenuta non con la ripetizione di un immagine chiave, ma ancora una volta per evocazione, allusione. Giacomelli coinvolge e sconvolge…" 1991 - "Viaggio in Puglia" di Raffaele Nigro, foto di Mario Giacomelli; Laterza, Bari 1991 - "150 Years of Photography", Tokio 1992 - "Mario Giacomelli. Storie di terra" 5° International meeting City of Thessaloniki. Incontro con Angelo Schwarz "la constatazione della particolarissima intelligenza di questo fotografo va di converso con un'altra, cioè che il suo operare non è mai avulso da quella realtà complessa che identifichiamo con la parola esperienza, intellettuale e materiale, che non è da intendersi come qualcosa di statico, piuttosto il risultato di un continuo confrontarsi." 1992 - "Storie di terra. Mario Giacomelli" di Giorgio Gabriele Negri. CittàStudi Milano 1992 - "Mario Giacomelli" cat.mostra Castello di Rivoli. Ida Giannelli e Antonella Russo. Ed. Charta. Il saggio di A. Russo si intitola "Mario Giacomelli: un fotografo del miracolo italiano" 1992 - "Metafore dell'assenza. Fotografie 1956-1991" R. Ciprelli. Pescara. 1992 - "Preghiera e poesia. Interpretazioni fotografiche di Mario Giacomelli." Carlo Bo. Arti grafiche editoriali, Urbino. 1992 - "Felicità raggiunta, si cammina. Mario Giacomelli racconta" cat. Mostra edizioni Coop litografica studio linea, Capodarco di Fermo. 1993 - "Muri di carta" A. C. Quintavalle, ed. Electa, Milano 1993 - "Felicità raggiunta, si cammina. Fotografie di Mario Giacomelli" A. Gilardi, "Progresso Fotografico" novembre. 1993 - "Mario Giacomelli immagini inedite" Ken Dami, edizioni del museo, Brescia. 1993 - "Mario Giacomelli" E. Taramelli, ed. Contrejour, Parigi. 1993 - "Mario Giacomelli" articolo su The New York Times per la mostra alla James Danziger Gallery, scritto da Charles Hagen "…le fotografie di Giacomelli sono però lungi dall'essere semplici documenti. Egli fotografa e stampa con gran senso d'avventura, usando alto contrasto, composizioni inaspettate e altri espedienti per trasformare le sue immagini da semplici documenti in opere d'arte ricche ed evocative. A volte appare come se avesse gettato un velo magico sopra i suoi soggetti, producendo immagini che sembrano mescolare descrizione, memoria e sogno in parti uguali…" 1994 - "Mario Giacomelli" a cura di Guarda C. ed. Matasci-Tenero. 1994 - "Mario Giacomelli" L. Mozzoni; A. Ginesi. Rotary international. Arti grafiche jesine. 1994 - "Mario Giacomelli. 50 anni di fotografia" O. Remi. St.Paul Jounieh-Beirut 1994 - "Mario Giacomelli. Omaggio a Spoon River" Sanesi R. Edizioni Motta Fotografia 1994 - "Mario Giacomelli. Prime opere. Vintage Photographs 1954 - 1957. Photology Milano 1994 - "Mario Giacomelli. Quarant'anni di fotografia. 1954 - 1994. Ispra. 1995 - "Giacomelli. La forma dentro" Enzo Carli, catalogo mostra. Comune di Senigallia, ed. Charta, Milano. 1995 - "Mario Giacomelli. Fotografie 1952(?)-1995" a cura di K. Steinorth. Museo Ludwig, Colonia, Cantz. 1996 - "Mario Giacomelli. La Terra, la Materia. Visioni di Calabria." a cura di Marco Lion (autore dei testi), Abramo Editore, Catanzaro. 1997 - "Mario Giacomelli. Motivo suggerito dal taglio dell'albero" a cura di A.Pellegrino, Bellabarba Editore, Macerata. 2001 - "Mario Giacomelli" Germano Celant. Cat. Retrospettiva al Palazzo delle Esposizioni, Roma. Ed. Logos per Photology. 2002 - "L'evocazione dell'Ombra. Mario Giacomelli" Sandro Genovali, Ed. Charta Milano. 2003 - Appare nel libro di Giuliana Scimé "Il fotografo mestiere d'arte" 2003 - "Paesaggi. Mario Giacomelli - Franco Fontana" con introduzione di Federico Zeri e Christian Gattinoni. Edizioni Gribaudo Influencial directors |
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